Arte a New York – Guggenheim – One Hand Clapping

Cinque artisti immaginano il futuro nelle nuove commissioni del Guggenheim

 Il Solomon R. Guggenheim Museum presenta One Hand Clapping; esposizione collettiva di opere commissionate di recente da Cao Fei, Duan Jianyu, Lin Yilin, Wong Ping e Samson Young.

Sino al 21 ottobre 2018, One Hand Clapping sarà accompagnato da un catalogo e programmazione pubblica ed educativa.

Gli artisti in  One Hand Clapping, esplorano la nostra relazione mutevole con il futuro.

Le opere sono realizzate con materiali e attrezzature nuove e tradizionali;

-dalla tecnologia della realtà virtuale al petrolio su tela.

Al livello Tower 5:

• Wong Ping crea un’installazione multimediale incentrata su un racconto animato colorato e vivace che esplora la tensione tra una popolazione che invecchia e il ritmo incessante di un’economia digitale; nei suoi dipinti e sculture,
• Duan Jianyu rappresenta un luogo surreale e transitorio in cui la campagna incontra la città,
• Lin Yilincostruisce una simulazione di realtà virtuale con una stella del basket professionista, testando il potenziale per l’utilizzo della tecnologia per vivere l’esperienza di un altro.

Il titolo della mostra One Hand Clapping deriva da un koan-indovinelli usato nella pratica buddista Zen per sfidare il ragionamento logico, che chiede:

“Conosciamo il suono delle due mani che battono le mani. Ma qual è il suono di una mano che applaude?

“Emergendo da una tradizione che ha avuto origine nel periodo Tang cinese (618-907), la frase”

battere una mano sola

“comprende una storia di traduzione e appropriazione transculturali che continua nel presente, dalla sua citazione come epigrafe a Nine Stories di JD Salinger (1953) al suo riferimento nei titoli di una canzone di Cantopop e di un film australiano e il nome di una band britannica.

In questa luce,

“battere una mano”

diventa una metafora per i processi attraverso i quali il significato viene fabbricato, trasmesso e riaffermato in un mondo globalizzato.

L’immagine di ” battito di una mano” suggerisce anche la connotazione della solitudine e la capacità degli artisti di esprimere una prospettiva singolare e di sfidare le credenze prevalenti, gli stereotipi e le strutture di potere convenzionali “

One Hand Clapping è organizzato da Xiaoyu Weng, Robert HN Ho Family Foundation Associate Curator of Chinese Art e Hou Hanru, Consulting Curator, Robert HN Ho Family Foundation Chinese Art Initiative. Kyung An, Assistant Curator, Asian Art, fornisce supporto curatoriale. L’iniziativa d’arte cinese Robert HN Ho Family Foundation fa parte dell’Iniziativa asiatica per l’arte di Guggenheim, diretta da Alexandra Munroe, Senior Curator di Samsung, Asian Art e Senior Advisor, Global Arts.

CATALOGO DELLA MOSTRA
Il catalogo bilingue di One Hand Clapping presenta saggi dei coeditor Xiaoyu Weng e Hou Hanru sulla portata della mostra e sulla genesi delle sue commissioni tematiche.

Servendo come componente attivo nella realizzazione del progetto, il catalogo assembla una vasta gamma di voci ed elementi visivi, incluse sezioni che presentano scritti e immagini relative al processo creativo per ciascuno degli artisti partecipanti, un testo teorico su tecnologia e cultura di il filosofo Yuk Hui;

e poesie selezionate di Wu Qing, Zhang Xiu e il poeta operaio Xu Lizhi (1990-2014), che lavorava alla fabbrica Foxconn di Shenzhen dove sono riuniti i prodotti per i principali marchi internazionali come Apple ™ e Sony ™.

Inoltre, un nuovo ciclo di poesie è stato commissionato dal poeta di Hong Kong, Nicolas Wong, che immagina un Hong Kong del 2052 dove il cantonese è bandito, ma i poeti bilingue collaborano con i programmi di traduzione dell’IA per sfidare l’autorità.

LA FONDAZIONE FAMIGLIA ROBERT HN HO
Fondata a Hong Kong nel 2005 da Robert Hung Ngai Ho come organizzazione filantropica privata, la Robert HN Ho Family Foundation lavora per promuovere l’apprezzamento delle arti e della cultura cinesi per promuovere l’apprendimento globale; e coltivare una più profonda comprensione del buddismo nel contesto della vita contemporanea. La Fondazione sostiene gli sforzi che rendono le arti cinesi accessibili e rilevanti per il pubblico di tutto il mondo. Supporta inoltre la creazione di nuove opere, mostre e pubblicazioni che offrano prospettive originali e migliorino la qualità e l’accessibilità della borsa di studio sull’arte cinese.

SULLA FONDAZIONE SOLOMON R. GUGGENHEIM
Fondata nel 1937, la Fondazione Solomon R. Guggenheim è impegnata a promuovere la comprensione e l’apprezzamento dell’arte, in primo luogo dei periodi moderni e contemporanei, attraverso mostre, programmi educativi, iniziative di ricerca e pubblicazioni. La rete Guggenheim iniziata negli anni ’70 quando il Museo Solomon R. Guggenheim, a New York, è stato affiancato dalla Collezione Peggy Guggenheim, Venezia, si è ampliata fino ad includere il Guggenheim Museum di Bilbao (aperto nel 1997) e il Guggenheim Abu Dhabi (attualmente in sviluppo). La Fondazione Guggenheim continua a forgiare collaborazioni internazionali che celebrano l’arte contemporanea, l’architettura e il design all’interno e all’esterno delle mura del museo, tra cui la MAP Global Initiative UBS MAP di Guggenheim e l’iniziativa d’arte cinese Robert HN Ho Family Foundation. Maggiori informazioni sulla Fondazione Solomon R. Guggenheim sono disponibili su guggenheim.org.

NOTE DEL REDATTORE:

da: https://www.guggenheim.org/publication/one-hand-clapping

Cao Fei (nato nel 1978, vive e lavora a Pechino)

Dopo essersi laureata all’Accademia di Belle Arti di Guangzhou nel 2001, Cao Fei ha ottenuto riconoscimenti internazionali per i suoi innovativi lavori multimediali che sondano l’interazione tra mondo virtuale e mondo reale, utopia e distopia, corpo e tecnologia. Trova impeto nelle precarie condizioni socioeconomiche della vita contemporanea e le sue opere sono testimoni critici dell’impatto della crescita iper-economica, dello sviluppo urbano e della globalizzazione dilagante dell’individuo in Cina. I suoi primi lavori esplorano l’alienazione e il desiderio di fuggire dalla gioventù cinese e indagano sui sogni personali degli operai. Per RMB City: A Second Life City Planning di China Tracy (aka Cao Fei) (2007), ha trascorso diversi anni a sviluppare una città virtuale in Second Life, una piattaforma online in cui gli utenti creano avatar e possono costruire insieme utopie immaginarie. La metropoli, magica ma distopica, è stata un tema chiave nelle opere di Cao da quando si è trasferita da Guangzhou a Pechino nel 2006. Per Haze and Fog (2013), ha spostato l’attenzione sul malessere spirituale indotto dal capitalismo, dal consumismo e dall’urbanizzazione. Opere più recenti come La Town (2014) si rivolgono al soggetto di una metropoli postapocalittica surreale che esiste al di fuori di un tempo o di una cultura specifici. Nel 2006 e nel 2016, Cao ha ricevuto il premio per il miglior artista giovane e il premio per miglior artista (CCAA) del Chinese Contemporary Art Award (CCAA). Nel 2010 è stata finalista per il premio Hugo Boss.

Duan Jianyu (nato nel 1970, vive e lavora a Guangzhou)

Duan Jianyu si è laureato presso il Dipartimento di Pittura ad Olio dell’Accademia di Belle Arti di Guangzhou nel 1995. La narrativa è la forza trainante degli eterei quadri di Duan e delle sculture intime. Spesso lavorando in serie, intreccia immagini surreali di persone comuni e scenari quotidiani in allegorie delle complessità morali della società. Il suo studio comprende anche la pubblicazione di libri di artisti, come New York, Paris, Zhumadian (2008). Un senso di realismo rifratto dà ai dipinti di Duan una dimensione di critica sociale, come è evidente nella serie Sharp Sharp Smart (2014-16), che ha intitolato dopo shamate (il termine è un gioco fonetico sull’inglese “smart”), un sottocultura che unisce la sensibilità goth, punk, glam e anime che è popolare tra i giovani nelle aree rurali in Cina.Sullo sfondo di ambienti rustici, figure (sorridenti contadine che appaiono nudi o vestite di colori sgargianti) e le loro azioni (allattare al seno di capanne o trasportare oche in ceste) alludono alla crescente tensione tra la modernizzazione della Cina e la sua tradizione rurale. Il linguaggio visivo finto-ingenuo di Duan incorpora riferimenti alle tradizioni storico-artistiche sia occidentali che cinesi, dal primitivismo e astrazione al realismo socialista e il lavoro dei pittori cinesi del primo Novecento che adottarono consapevolmente gli stili artistici occidentali. Il suo approccio anacronistico e umoristico in opere come Muse e Museum No. 2 (2011) stuzzica le ansie culturali esistenti sull’identità regionale nella Cina contemporanea e supera la semplice appropriazione per sfidare il canone della pittura nell’era della globalizzazione. Nel 2010 è stata nominata miglior artista ai Chinese Contemporary Art Awards (CCAA).

Lin Yilin (1964, vive e lavora a Pechino e New York)

Dal 1980 Lin Yilin ha perseguito una pratica sfaccettata radicata in prestazioni site-specific. Trae spunto dalle mutevoli condizioni socioeconomiche e politiche e dalle esperienze di spostamento culturale per reimmaginare le relazioni tra il sé, la comunità e gli ambienti circostanti.Lin ha studiato scultura all’Accademia di Belle Arti di Guangzhou, diplomandosi nel 1987. Durante tutto il periodo di rapida crescita economica in Cina durante gli anni ’90, ha realizzato una serie di opere sotto la rubrica di ciò che ha definito “costruzione sociale”. Usando i mattoni, costruisce forme architettoniche temporanee che spesso circondano, confinano o si fondono con il suo corpo. Il suo coinvolgimento nel gruppo con sede a Guangzhou Big Tail Elephant Working Group (formato nel 1990) è stato determinante nel dare forma alle sue risposte e agli interventi nello sviluppo urbano della Cina meridionale. Dal suo trasferimento a New York nel 2001, Lin ha ampliato il suo campo d’azione per lavorare con comunità locali e internazionali, da studenti universitari in Norvegia a famiglie in Cina e agricoltori in Thailandia. Per Documenta 12 (2007) a Kassel, in Germania, Lin ha eretto una parete indipendente con un piccolo foro, attraverso il quale ha eseguito una corda. Ha inscenato un tiro alla fune mettendo in contatto i residenti locali con i visitatori stranieri, interrogando la funzione sociale dei monumenti e il ruolo del pubblico nel determinare il loro significato.Durante la sua residenza nel 2011 alla Kadist Art Foundation di San Francisco, Lin ha organizzato una serie di spettacoli che coinvolgono gli immigrati cinesi in tutta la città, esplorando come l’identità viene rinegoziata quando le persone navigano attraverso nuovi ambienti. Lin attualmente insegna alla School of Experimental Art presso l’Accademia Centrale di Belle Arti di Pechino.

Wong Ping (nato nel 1984, vive e lavora a Hong Kong)

Ossessioni represse e desideri insoddisfatti; evirazione e sottomissione prima del dominio sessuale e politico; lussuria e morale sdrucciolevole.Questi sono temi che attraversano le storie strane e intime dei video animati di Wong Ping. Costeggiando il confine tra lo shock e l’umorismo, Wong riferisce le sue osservazioni sulla società attraverso aneddoti inventati che offrono scorci sui tratti più profondi e spesso vergognosi della natura umana. Per esempio, un incontro facilitato per incontri tra una donna religiosa e un uomo ateo è lo scenario di Who’s the Daddy (2017), mentre Jungle of Desire (2015) racconta la storia di un uomo impotente che viene coinvolto in una trama che coinvolge sua moglie lavora come prostituta e estorsione della polizia. A volte Wong crea installazioni colorate che estendono i suoi mondi animati in tre dimensioni. Per la mostra personale del 2015 di Jungle of Desire at Things che può accadere, Hong Kong, uno spazio artistico senza scopo di lucro in un quartiere operaio al centro dell’industria del sesso locale, Wong ha creato una vera e propria “giungla del desiderio” che includeva elementi scultorei come le statuette di gatto con le braccia oscillanti e simili a un pene. Queste immagini provocatorie di mascolinità alludono alla parte inferiore del potere e ai suoi abusi, e riflettono le tensioni sulla gentrificazione e la trasformazione urbana. Wong ha ottenuto il suo BA nel 2005 presso la Curtin University di Perth, in Australia, e ha lavorato nel broadcasting prima di fondare il Wong Ping Animation Lab nel 2014. Ha ricevuto il premio Incubator for Film and Visual Media in Asia (ifva) nel 2013, e il premio Best Animation and Spirit of Hong Kong del Third Culture Film Festival, Hong Kong, nel 2016.

Samson Young (nato nel 1979, vive e lavora a Hong Kong)

La musica, i disegni, le installazioni, le trasmissioni radiofoniche e le esibizioni di Samson Young toccano argomenti come il conflitto militare, l’identità, le migrazioni e le frontiere politiche del passato e del presente. Il suono e le sue politiche culturali sono al centro della pratica di Young – ha ottenuto un dottorato in composizione musicale alla Princeton University nel 2013, mentre si è impegnato nell’arte contemporanea. I giovani spesso indagano sulla relazione tra violenza e suono e molte delle sue opere si sviluppano a partire da una vasta ricerca storica. Supportato da BMW Art Journey, Young ha viaggiato in oltre trenta siti nei cinque continenti per produrre Per chi suona la campana: Un viaggio nella storia dei conflitti di Sonic (2015-), che traccia le storie delle campane e il loro utilizzo.Prendendo la forma di un archivio di registrazioni, schizzi e oggetti, l’opera rivela come le campane siano state implicate in conflitti territoriali, religiosi e culturali. Per la sua mostra personale nel Padiglione di Hong Kong alla Biennale di Venezia 2017, ha usato “charity singles”, brani di successo realizzati negli anni ’80 da super-gruppi di artisti discografici per fornire aiuti di soccorso. Critico dei sottotitoli dietro ai single – tra questi, la complicità di tali gesti di “carità” con le politiche neoliberali e l’imperialismo culturale – Young ha creato disegni, oggetti, video e installazioni site-specific che fanno riferimento a queste canzoni ben note.Young mantiene una pratica nella composizione di musica classica. Nel 2007 ha ricevuto il Bloomberg Emerging Artist Award.